HISTORIA DE LA IMAGEN

Arte prehistórico (antes de  la escritura)

La pintura de historia se caracteriza, en cuanto a su contenido, por ser una pintura narrativa: la escena representada cuenta una historia. Expresa así una interpretación de la vida o transmite un mensaje moral o intelectual.Suelen ser cuadros de gran formato, grandes dimensiones. Hay una concentración de unos pocos personajes principales en medio de otros personajes menores en confusa multitud. Los colores suelen ser sobrios. Se da importancia al cuidado en los accesorios, en los detalles de las vestimentas o los objetos relacionados con el tema a tratar. 

Caballo (10.000-15.000 a. C.) Cueva Lascaux (Francia)

Cuevas de Altamira (España)

Arte egipcio (3.000 a.C.- 30 a.C.)

La pintura del Antiguo Egipto fue eminentemente simbólica, funeraria y religiosa. La técnica pictórica de los egipcios fue un precedente de la pintura al fresco o témpera, ya que hacían de los pigmentos naturales, extraídos de tierras de diferentes colores, una pasta de color, que mezclaban con clara de huevo y disolvían con agua para poder aplicarlo sobre los muros, revestidos con una capa de tendido "seco" de yeso.

La pintura se utilizaba para decorar las paredes de los templos y tumbas, así como para ilustrar papiros. Una técnica muy empleada fue la del fresco para conseguir los colores de los pigmentos que se tenían que diluir en agua antes de ser aplicados sobre una pared húmeda.

Tumba de Nefertari (s.XIII a.C.)

Helenismo griego (s.IV a.C. - s.II a.C.)

 La pintura helenística, como en los períodos anteriores, se empleaba en la decoración en los muros lisos, policromía de estatuas y ornamentos arquitectónicos, estelas funerarias y tabillas.

En general la pintura helenística griega se caracteriza por el enfásis en la herencia clásica recibida junto a un propósito decorativo y lustre de lujo.

Representación de un sacrificio animal

 

Arte romano

Las características principales del Arte Romano son:

-Es un arte propagandísimo al servicio del gobierno.
-Es funcional y práctico.
-Es bello.
-Es colosal, son construcciones de grandes dimensiones.

Una mujer interpretando la kithara

Pintura románica (s. XI - XII)

Las características principales de la pintura románica son:
-Se plasmaba  un idea concreta de las figuras humanas.
-En las siluetas de sus retratos se trazaba muy gruesa y de color negro o rojo.
-Los colores que se utilizaban eran planos y sin mezclarlos.
-Figuras sin movimientos, se representaban hieráticas.
-Las pinturas carecían de profundidad, no tenían perspectivas.
-Aparecías muchas de las figuras agrupadas.
-Pinturas antinaturales, es decir llenas de misticismo.
-Anatomías no apropiadas.

Cristo apocalíptico de Tahull

Pintura gótica (s. XIII)

La pintura gótica, una de las expresiones del arte gótico, no apareció hasta alrededor del año 1200, es decir, casi 30 años después del comienzo de la arquitectura y la escultura góticas. La transición del románico al gótico es muy imprecisa y no hay un claro corte, y podemos ver los comienzos de un estilo que es más sombrío, oscuro y emotivo que en el periodo previo, a principios del siglo XIII. El impulso decisivo de esta pintura realista cristiana se produjo en la Italia septentrional de finales de siglo. Diseminándose por el resto de Europa, el periodo gótico se extendió durante más de doscientos años.

Taules de Toses

El bosco

Pintura renacentista (S. XV)

La pintura renacentista abarca el período de la historia del arte europeo entre el arte de la Edad Media y el barroco.

Como todo el arte del Renacimiento, la pintura de esta época está relacionada con la idea de volver a la antigüedad clásica, el impacto que tuvo el humanismo sobre artistas y sus patronos, gracias a la adquisición de nuevas sensibilidades y técnicas artísticas.

Gioconda o Mona Lisa, Leonardo da Vinci

Capilla Sixtina, Miguel Ángel

Pintura barroca (s. XVII)

La pintura barroca presenció el nacimiento de nuevos géneros pictóricos, como son los bodegones, vanitas y cuadros costumbristas, que enriquecieron la iconografía religiosa heredada del medioevo.

Se caracterizó por la búsqueda de realismo a través del efectismo (los trampantojos son comunes) y de una cierta teatralidad.

La luz y el color pasaron a ser grandes protagonistas, encargados de producir la profundidad y la perspectiva, más que la línea y el trazo.

Las formas fueron particularmente abundantes (como sucedió en todas las artes del barroco) y las pinturas se llenaron de volumen y de detalle, en lo que para muchos constituyó el dominio total de las técnicas pictóricas, tanto con óleo como al fresco.

Las meninas, Velázquez

El juicio de Paris, Rubens

Pintura del siglo XIX

La Pintura del Siglo XIX no estuvo exonerada del quiebre histórico con su historia. Tampoco lo estuvo de la multitud de corrientes de filosofía del arte. También se dejó influenciar por el fenómeno político francés, la ruptura con el tradicional artista que muestra lo que la monarquía y su aristocracia pretende. El mundo no está en orden, y eso pretende mostrar el nuevo arte, al mismo tiempo que propone un nuevo orden: El Pintura romántica Romanticismo. Allí donde el neoclasicismo propone una belleza ideal, el racionalismo, la virtud, la línea, el culto a la Antigüedad clásica y al Mediterráneo, el romanticismo se opone y promueve el corazón, la pasión, lo irracional, lo imaginario, el desorden, la exaltación, el color, la pincelada y el culto a la Edad Media y a las mitologías de la Europa del Norte.

    

Ehrenbreitstein, Turner

Pintura impresionista (finales s. XIX)

El impresionismo es un movimiento artístico​ inicialmente definido para la pintura impresionista.

-    Estudio de la plasmación de luz vibrante sobre el lienzo: Intentaban captar la impresión momentánea de las cosas, la apariencia, por eso debían trabajar deprisa. Estudiaban los distintos matices de la atmósfera mediante versiones de un mismo motivo en distintos momentos del día, variando la luz y la atmósfera.

• Coloración de las sombras: Evitaban las sombras negras y se reducían a espacios coloreados con tonalidades complementarias —luces amarillas, sombras violetas—. El claroscuro quedó eliminado.

• Las composiciones eran espontáneas, con puntos de vista fotográficos; utilizaban encuadres originales, que cortaban los cuerpos de forma parcial.

• Los temas preferidos eran banales, secundarios, sin importancia: escenas urbanas, de interior de cafés, bulevares de Paris, regatas, carreras de caballos y bailarinas, que muestran su gusto por el movimiento. Y preferentemente paisajes pintados al aire libre en los que plasmaron las variaciones de la atmósfera en condiciones variables con sol, lluvia, niebla etc y el reflejo de la luz sobre el agua en sus cuadros de marinas, ríos, estanques.

Noche estrellada, Van Gogh 1889

Monet

Pintura expresionista (principios s. XX)

• El expresionismo es una deformación de la realidad expresándola de forma más subjetiva
• Los expresionistas creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano
• La angustia existencial es el principal motor de su estética
• Pretender potenciar las emociones del espectador distorsionando deliberadamente y exagerando los temas
• Se basa en la intuición, depura, intensifica e interpreta la realidad, pero nunca se aparta totalmente de ella
• Los expresionistas manifiestan sus emociones sin preocuparse de la realidad
• Utilizan colores fuertes y puros, formas retorcidas y una composición agresiva
• No importa ni la luz ni la perspectiva, alterada de manera intencional
• El arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior
• Podemos encontrar diversas tendencias impresionistas, desde lo exagerado colorido hasta las abstractas
• Se desarrolla en todas las artes como la poesía, teatro, música, artes gráficas
• Los impresionistas pretendían realzar la libertad individual, el irracionalismo y el pesimismo, con una temática de lo morboso, lo prohibido y lo fantástico
• La opinión del artista es más importante que la concordancia y la armonía del trabajo realizado
• Los exponentes expresionistas fueron vistos como iconoclastas
• La literatura expresionista se valió del uso de un lenguaje desgarrado, la presencia constante de la muerte, la violencia y la crueldad, busca que el lector entre en la historia y sienta como si la hubiera vivido
• Algunos exponentes de la pintura son Der Blaue Reiter, Arnold Böcklin, Vincent Van Gogh, Pablo Picasso, Fernando Botero, Diego Rivera, Frida Kahlo, etc.
• Abarca temas sociales, culturales, ecológicos, habla del poder, el mundo real, la maldad y la guerra.
• Tiene una visión enfocada hacia lo universal.

El grito, Edvard Munch

La danza, Matisse 1909

Pintura cubista (a partir de 1907)

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado en 1907, nacido en Francia. Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional. El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos» y figuras geométricas . Se originó así el concepto de «cubismo». En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo en donde pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. 

Picasso

Braque

Pintura abstracta (s. XX - XXI)

Las características principales de la Pintura Abstracta son:

-Se aleja de la mímesis de la apariencia externa.La obra de arte abstracta existe independientemente de la realidad.

-El grado de abstracción puede ser parcial o absoluto. En el arte abstracto puro no existen rastros reconocibles figurativos, mientras que la abstracción parcial conserva partes del referente y a la vez modifica otras.

-Énfasis en la propia expresividad  de los elementos esenciales del arte y su organización.

-También los materiales y procedimientos adquieren significado más allá de su aspecto técnico.

-El título de las obras puede ser explicativo y ayudar a transmitir un mensaje.

Vasili Kandinsky, 1926

Composition A, Mondrian 1923

Pintura surrealista ( a partir de 1920)

El surrealismo es un movimiento artístico surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton. El surrealismo penetró la actividad de muchos artistas europeos y americanos en distintas épocas. Por su parte, Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de los sueños, inventó lo que él mismo llamó método paranoico-crítico, una mezcla entre la técnica de observación, por medio de la cual, observando una pared se podía ver cómo surgían formas y técnicas de frottage; fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en una sola configuración. Óscar Domínguez inventó la decalcomanía. Además de las técnicas ya mencionadas de la decalcomanía y el frottage, los surrealistas desarrollaron otros procedimientos que incluyen igualmente el azar: el raspado, el fumage y la distribución de arena sobre el lienzo encolado. Otros movimientos pictóricos nacieron del surrealismo o lo prefiguran, como por ejemplo el Art brut.

La persistencia de la memoria, Dalí 1931

René Magritte

Pop art (mediados s. XX)

Las características principales del Movimiento "Pop Art" son:

Rechaza el expresionismo abstracto.

Uso de colores puros,brillantes y fluorescentes.

Empleo de imágenes.

Se basa en el medio ambiente.

Pone el arte en contacto con el mundo.

Era aplicado en el arte visual.

En primer lugar, el Pop Art se caracteriza por el uso de las técnicas más importantes de la época, como lo son el collage, la serigrafía, la fotografía, sin olvidarnos de las más convencionales como el óleo o la escultura y materiales tales como la pintura acrílica, el poliéster o la goma espuma.

A menudo, el uso de estas técnicas se combina con acciones de continua repetición que dotan las imágenes de un carácter plano e inexpresivo. En las obras Pop jamás veremos la huella personal del artista, sino que sus obras están tratadas del mismo modo que los objetos o figuras que reproducen, como productos.

Lata de sopa Campbell, Andy Warhol 

Roy Lichtenstein